UNA SENSACIÓN

¿Cómo ha ido el fin de semana? Hoy hemos tenido clase teórica de expresión plástica, y nos hemos metido un poquito en el mundo del COLOR.

El color es un elemento complejo muy presente en nuestras vidas. Este mundo es muy amplio y necesitaríamos clases infinitas para comprenderlo del todo, así que, nos centraremos en Primaria.

¿Qué os producen las siguientes imágenes?

La primera imagen nos transmite tranquilidad, estabilidad, calidez... Mientras que, está comprobado, que la segunda imagen nos transmite sensaciones de estrés; actúa un color primario y su complementario.

Es uno de los errores más comunes que no se pueden cometer, y surgen cuando la superficie y la intensidad de los colores es la misma, porque son agresivas entre sí.

Por ejemplo, la siguiente imagen: 

Pertenece al holandés Piet Mondrian, quien sintetizó las formas básicas con los colores primarios. Pertenece al cubismo, por lo que tiene un uso racional de la forma y del color. Mondrian usa el color racionalmente, colores puros, vivos, saturados... Pero, no todos ocupan la misma superficie; el rojo es más grande. 

Aquí encontramos la jerarquización; en este caso concreto, se encuentra en la medida de la superficie que ocupa el color. Y lo hace en armonía, con ritmo y equilibrio. 

Todo esto permite que la obra transmita paz. Además, se basa en una composición de líneas horizontales y verticales (las curvas son distorsionadores). 

Tiene un sentido estético.

¿Cómo nos afecta el color? Cada color tienen su significado, está asociado a diferentes emociones. 

Por ejemplo, cuando en los restaurantes de comida rápida pintan las paredes de naranja, ayuda a hacer la digestión, pero también nos agobia y nos invita a abandonar el local para dejar las mesas libres. 

Si este tema te parece interesante, visita esta web y echa un vistazo a las diferentes sensaciones que nos producen los colores. 

¿Por qué pintamos un interior de cada color? Porque psicológicamente asociamos el color con la emoción. 

 Asociamos los tonos azules con el frío.

  Y el calor con tonos cálidos.

Cualquier tipo de imagen tiene unos elementos que la configura, seleccionando parte de la realidad, conjuntos de elementos que configuran esa realidad y una sintaxis visual: según como coordinemos los elementos, tendremos una imagen u otra.

Los elementos del lenguaje de la imagen pueden ser:

   - Morfológicos:

· El punto

· La línea

· La forma

· La textura

· El color

Como dije antes, solo nos vamos a centrar en el color. 

   - Temporales o dinámicos: 

· La iluminación

· La composición

· La retórica visual

· La armonía y el contraste 

· El ritmo

   - Escalares: 

· El tamaño

· La escala

· El formato

· La proporción

También hemos explicado la marca cromática y semántica del color; la semiótica es la ciencia que está detrás de la imagen. El significado de un color no es intrínseco sino determinado por los códigos operantes en el contexto que aparezca. 

Recalco el contexto, porque por ejemplo, el contexto cultural, en nuestra cultura, vestir de negro significa luto; pero, para entender esto, es necesario que el receptor conozca ese contexto. 

El color está asociado a la luz, sin luz no hay color. Está presente en la naturaleza y su conocimiento lo hemos asociado a nuestra forma de vivir. 

El color es una sensación, los cuerpos son de un color o de otro en un espacio. Por ello decimos que no es una propiedad intrínseca del cuerpo; si cambiamos la iluminación, cambiará el color. 

No es lo mismo trabajar en exterior que en interior, en verano que en invierno...

Relacionado con todo esto, está la percepción psico-física, no solo veo lo que tengo delante, sino que le añado mi experiencia, mi conocimiento. 

La clase de hoy ha dado para mucho... también hemos visto los colores CMYK, sus diferencias con los colores luz (RGB), los estímulos, la materia... 

Pero todo esto, lo explicaré más adelante.

Que tengáis un buen comienzo de semana... ¡Hasta otra!

"No tenemos un lenguaje para los sentidos. Los sentimientos son las imágenes, las sensaciones son como sonidos musicales".

Anais Nin

ARTE CONTEMPORÁNEO DE LA FIBRA JAPONÉS, MINIATURAS

El jueves pasado estuve en el Centro Cultural Hispano Japonés de la Universidad de Salamanca, está en la Plaza San Boal. 

La verdad es que entramos a verla por casualidad; íbamos dando un paseo por allí y decidimos entrar. 

En la planta superior, había una exposición sobre el arte japonés, "Arte Contemporáneo de la Fibra Japonés, Miniaturas" (Contemporany Japan´s Fibert Art Mini); había una gran variedad de objetos textiles de Japón, tendiendo al "minimalismo".

En la hojita de información sobre la exposición, leí:

       Muestra los trabajos de 50 artistas contemporáneos japoneses más importantes que conforman la vanguardia del movimiento mundial de la fibra. Presentan sus objetos en miniatura textil de diferentes temas y técnicas: plano o tridimensional, duro o blando, suave o fuerte, filigrana o robusto.

Los objetos cuentan historias, proponen preguntas y estimulan la fantasía del observador que se deja seducir. 

Presentan un fuerte contraste entre los pequeños objetos y una arquitectura intensa, que invita a los visitantes hacer un viaje de investigación en las instalaciones. 

En Japón, se ha desarrollado durante siglos una cultura textil que se ha caracterizado por la sutileza, creatividad, precisión y expresión artística. No solamente en el sector aplicado, también en el tipo de uso, como un independiente y creativo medio de expresión. La gran importancia del Arte Textil en Japón se demuestra claramente en la cantidad de personas que trabajan en él.

Esta exposición forma parte del calendario que viene desarrollándose por los países de: Japón (Tokio), Eslovaquia (Bratislava), Austria (Haslach), llegando en marzo a España (Salamanca), para seguir su recorrido posterior a Francia (París). 

Supone una continuación al Año Dual España/Japón 2013-2014 que se realizó en conmemoración de los 400 años de intercambio hispano-japonés. 

Hice fotos a los que más me gustaron, así que aquí os las dejo con la información sobre su autor, título, materiales utilizados... 

            

A mí, personalmente, el que más me gustó fue el número 45 de Keiko Mizutani, porque creo que le tuvo que dedicar muchísimas horas, y sobre todo, muchísima paciencia e imaginación. 

Pero, también me gusta mucho el número 27, de Hisako Kejisima, hecho con madera de nogal. 

No tenía ni idea de la existencia de ese Centro Cultural, y menos aún de que tuvieran tantas exposiciones gratuitas e interesantes... A partir de ahora, estaré más pendiente de sus programaciones.

Otra forma más de hace arte... Y minimalista además, que es lo que más me gusta. 

¡Pasad un buen día! ¡Hasta otra!

"El arte es lo ideal, sentido con profundidad y expresado con belleza".

Emilio Castelar 

DANDO COLOR

¿Qué tal va el fin de semana? En esta entrada quiero contaros cómo fue nuestra clase del viernes en el taller.

Ya teníamos preparados nuestros bocetos de personajes imaginarios, pero estaban desnudos; no llegaban a transmitir todo lo que queríamos. 

Así que, tras una breve explicación de Florencio sobre la técnica y algún que otro consejo, nos pusimos manos a la obra.

Como ya dije en otras entradas, todo va enfocado al proyecto final, por lo que vamos trabajando en grupo, dando (o pidiendo) opinión a los demás, trabajando con cooperación; y, sobre todo, trabajando cómodamente, charlando y a nuestro ritmo (con música y todo). 

Una vez tuvimos nuestros bocetos preparados del todo, preparamos la mesa del taller para poder pintar y trabajar sin manchar demasiado.

Además, preparamos los materiales que íbamos a utilizar: colores, pinceles, agua, plato para las mezclas, restos de sacapuntas, revistas, tijeras, pegamento...

El trabajo consistía en dejarnos llevar; no tener miedo y hacer caso a nuestra imaginación. ¿Qué nos salimos del boceto? No pasa nada, a lo mejor hasta queda divertido...

Utilizamos recortes de revistas en varias ocasiones... Y si no nos gustaba demasiado el resultado, le dábamos más color...

¡Ah! Para el color, utilizamos pintura plástica, pero no estaban todos los colores habidos y por haber, si no que partíamos de los colores principales cian, magenta y amarillo, más blanco y negro.

Aunque parezca increíble, es posible sacar TODOS los colores que queramos a partir de éstos, pues son los colores primarios y con su tono, se sacan los demás tonos. Además, si mezclamos estos colores sobre un fondo blanco, el resultado es el color negro.

Le pusimos bastante imaginación al asunto y mezclamos colores... Estos fueron los resultados de esas maravillosas mezclas:

Y, por último, os enseño nuestros bocetos a color... A nosotros nos gustaron bastante, pero, sobre todo, nos lo pasamos genial creando estos personajes y charlando sobre cómo lo íbamos haciendo y sobre qué ideas nos iban surgiendo.

Y hasta aquí llegó nuestra clase del viernes... Os iré contando como avanza el proyecto.

"Solos podemos hacer poco, juntos podemos hacer mucho".

Hellen Keller

EL LENGUAJE DE SU PENSAMIENTO II

En la última entrada os hablé de las etapas que Lowenfeld y Lambert desarrollaron sobre el desarrollo gráfico-plástico del niño, pero solo desarrollé la primera de ella porque era la que vimos en clase con más detenimiento.

Hoy hemos tenido clase teórica, y hemos terminado de ver las seis etapas marcadas. Así que, ¡vamos a verlas!

1. Etapa del garabato (2-4 años) (entrada anterior)

2. Etapa preesquemática (4-7 años):

Una vez alcanzada esta etapa, los garabatos comienzan a desaparecer y, sus movimientos circulares y longitudinales empiezan a ser formas reconocibles. Ahora, el niño es capaz de dibujar lo que sabe.  

Existe un realismo intelectual. 

A esta edad, es muy común la representación del YO debido al egocentrismo que presentan. 

Además, aparecen el renacuajo como primera forma de representación de la figura humana; se dibuja a la persona con un círculo por cabeza y con dos líneas verticales como piernas. 

Representación con renacuajos

Otra característica de esta etapa, es la existencia de la creación consciente de las formas, pero, el niño aún no es capaz de ordenar los objetos en el espacio; y por ello, lo representan flotando. 

El color es algo secundario, no tiene relación con la realidad, es un uso emocional.

Al trabajar con niños que se encuentran en esta etapa, es recomendable evitar el relleno de espacios prefijados, para no limitar su imaginación y expresión. 

3. Etapa esquemática (7-9 años): 

El niño empieza a trabajar con el conocimiento que él tiene de las cosas, y esto da lugar a: 

   - Esquema repetido pero flexible, parte de su idea para representar los objetos y la realidad. El esquema se repetirá siempre y cuando no haya cambios que provoquen modificaciones de esa visión.

    - Estereotipos: copia de todos los objetos y elementos que constituyen la realidad. Esto puede limitar el desarrollo de la imaginación del niño. 

Los elementos suelen estar representados en hilera, unos al lado de otros.

Dibujo de un niño de 6 años

El esquema humano es algo muy personal, es reflejo del desarrollo del niño. A lo largo de los años, se van produciendo variaciones en la forma de representar la figura humana. 

Además, son capaces de trabajar con esquemas de espacio-tiempo, ubicando los elementos en la línea base y en la línea del cielo. 

Representación de la línea base y de la línea del cielo

Más adelante, aparece una segunda línea base, dando un paso hacia la perspectiva. 

Aparece la segunda línea base

Comienza a establecer relaciones entre lo representado y el color. Tiene tendencia a la miniaturización.

Como hemos dicho anteriormente, el niño dibuja lo que sabe (lo que él ve); esto explica sus representaciones en transparencia o "rayos x", en los que se puede ver a las personas que viajan dentro de un coche. 

4. Etapa comienzo del realismo (9-11 años):

El niño sigue evolucionando, por lo que es muy importante el cómo le enseñemos a ver. 

Se trata de una etapa crítica, el niño adquiere la conciencia de pertenecer a una sociedad, de pertenecer a un grupo de personas con características semejantes: la pandilla.

Aún no son capaces de representar la perspectiva. 

Comienza la obsesión por el movimiento. Van incorporando un nivel de detalles mucho más preciso y muestran una mayor conciencia y sensibilidad por el medio ambiente. 

Las formas se vuelven cada vez más objetivas; adquieren el sentido de los detalles, pero aún no aparece la intención de dibujar sombras, arrugas...

En cuanto a la representación de la figura humana, les empieza a interesar la expresión de las características propias de cada sexo. 

Expresión de las características propias de cada sexo

La línea base empieza a desaparecer, y descubren conceptos como el de superposición. Además, el sentimiento afectivo que el niño tenga hacia el elemento que represente, quedará visible en el dibujo. 

5. Etapa pseudonaturalista (11-13 años): 

En esta etapa comienza a percibirse la crisis de la adolescencia. Si el niño es capaz de hacer algo personal desde el punto de vista plástico, es porque ha recibido algún tipo de ayuda (taller de dibujo, motivación familiar...).

Se pasa de una actividad espontánea a una actividad razonada y autocrítica. En ocasiones, el niño esconde lo que ha dibujado. 

Otra característica que tiene lugar en esta etapa, es que el niño comienza a expresar el espacio en sus cualidades tridimensionales, buscando la profundidad y las proporciones. 

Hay una tendencia a la caricatura. Se exageran las características sexuales y proyecta su personalidad en los dibujos de la figura humana (con muchos detalles).

El niño se vuelve críticamente consciente de su trabajo, su atención está más centrada en el producto final que en el proceso y tiene un gran sentido intuitivo del color y del diseño.

Experimentan nuevas técnicas creativas, dando lugar a diferentes tipos de obras:

        - Representativas de la realidad

        - Interpretativas o expresivas de esa realidad 

        - Abstractas

6. El periodo de la decisión (13-17 años): 

Etapa caracterizada por:

       - Interés por las artes visuales

       - Conocimiento del arte

       - Imitación de formas y estilos artísticos

       - Perfeccionamiento de las técnicas artísticas

Solamente las personas con interés, serán capaces de avanzar en el campo artístico. 

Se perfilan dos tipos de expresión artística:

· Los niños de mentalidad emocional o subjetiva (tipo háptico): 

       - Expresa sus emociones y sentimientos

       - Sus dibujos no forman un todo homogéneo

       - En sus trabajos todo está en función de su yo

       - Tiene tendencia a las exageraciones

· Los niños de mentalidad visual u objetiva (tipo visual): 

        - Piensa en términos de imágenes visuales

        - Ve primero el total de las cosas como conjunto

        - Se relaciona con el medio a través de los ojos

Hasta aquí las etapas del desarrollo gráfico-plástico. Espero que os sirvan de ayuda, o que despierten vuestra curiosidad sobre el tema...

¡Feliz inicio de semana!

"Es propio de aquellos con mentes estrechas, embestir contra todo aquello que no les cabe en la cabeza". 

Antonio Machado